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廖丹承--室内乐鉴赏

更新时间:2016-11-17 浏览次数:291

        廖丹承:大家下午好,我想今天有很多人都是我们金沙讲坛的常客,我们今天的讲演和以前有所不同,大家都看到了我摆了一些椅子,我的讲解今天分为两个部分:第一个部分我简要介绍一下室内乐的基本情况;第二部分由我们四川爱乐乐团演奏家们现场为大家带来几组室内音乐。所以说我们今天更向是演奏会或者是欣赏会,说到室内鉴赏我觉得室内乐欣赏可能更贴切一点。

        说到室内乐,什么是室内乐呢?这是一个外来词,从欧洲引来的词,chamber music什么意思就是房间,房间里室内演出的音乐。最早室内乐是在贵族客厅里大厅里演奏这么一种音乐,后来引伸为在比较小得场所演出乐曲。我们现在是指一个乐器或者几个乐器重奏或者小乐队演出形式,它主要区别是跟交响乐跟大乐队做的区别。室内乐从它的兴起当它出现到现在大概有400多年历史士,它有这么一个演变过程。它大致分为这么几个阶段。

        第一个阶段早期阶段大约是在欧洲的巴洛克时期,也就是16世纪末到18世纪初期的这么一个时期,当时欧洲音乐分为三大类:第一类叫教会音乐;第二类是戏剧音乐;第三类就是室内乐。教会音乐主要是在教堂里,以人声,主要是合唱,这么一种形式表达的,唱什么呢?主要唱弥撒,唱圣歌这样的。戏剧音乐呢?主要是指在剧场里专门演出戏剧的剧场里演出的,一开始也是以神剧跟宗教有关为主,后来又加了歌剧。那么这两种形势他们规模比较大,动辄上百人,甚至几百人,而且他们也比较正规,有一定的编排,有一定的规矩。而室内乐一开始刚才我说到了它兴起于贵族的宫廷,一开始就是几个演奏家或者几个人自娱自乐的这样一种形势,比如说哪个公爵的女儿弹钢琴弹的好给大家表演一段,哪个夫人唱的好给大家唱一曲,谁谁谁的朋友是音乐家他可以给大家演奏一下,一开始是一种自娱自乐的形式,这种形式比较随意一些。这三种音乐里面室内乐区别主要是演出的地点不一样,演出的内容不一样,还有我们参与的人,室内乐参与的人很少,有这样的区别。

        到了第二个阶段就是巴洛克时期,这个时期是18世纪的中期到19世纪初,随着音乐逐渐走进市民,我们市民在婚庆、生日、重大的集会里面也会请乐队,或者是唱歌的,甚至还专门请作曲家为他们写曲子,这种在早的时候在意大利热那亚还有威尼斯这些比较发达的城市早就有了,像维吾尔帝就经常给人家写这样的曲子,我想这种形式有点象我们过去唱堂会,请一个班子来,点什么曲目,不过欧洲他们需要作曲家们专门为他们创造曲目。这个时候室内乐的区别不仅仅是场地了,他们由宫廷走向了市民的舞台,一种比较小的场所,演出音乐的场所。

        从室内乐的形式来看,古典时期最主要成就就是弦乐四重奏它的定型,弦乐四重奏就是由两把小提琴,一把中提琴,一个大提琴组成的这么一种形式,这一时期虽然还有其他的比如木管三重奏,五重奏,或者是木管和弦乐的一些组合的重奏,但是弦乐四重奏在这个时候占了绝对的统治地位,几乎成了室内乐的代名词,它是音乐家们认为最理想的表现室内乐的一种手段,因此很多时候谈到室内乐基本上跟弦乐四重奏等同起来。弦乐四重奏能够成为当时最理想的一种形式,最成功的一种形式有它的历史原因,因为在15世纪以前弦乐还不是我们看到的这种,它没有拉弦的,它是拨弦的东西,有点象类似我们的琵琶,它的弦比较多,六根弦八根弦的,它没有拉弦的,叫鹿特琴(音)。15世纪以后才开始有了拉弦的这种琴,那时候做的不好,它有这么一种过程。什么时候做得好呢?17世纪中期以后,随着意大利有三大制琴的家族,他们是阿玛蒂、斯特拉迪瓦里,还有格瓦奈丽这三个家族,由于他们制琴上的贡献才使欧洲的弦乐制作达到了鼎盛。这三大家族的琴到现在如果保存的好它鼎盛时期琴,不得了,有的至少几百万上千万美金,所以现在有一些这样的琴都是保存的很好,有专门的地方来保存,温度、湿度都要调控到像我们保护大熊猫一样,我们有些弦乐大师或者是谁比赛,全世界比赛得了一等奖,他们拿出来做一些演出。

        在谈到弦乐四重奏的时候有一个人不得不提,就是海顿,德国作曲家,古典乐派的代表人物。我们很多人知道海顿是交响乐之父,其实他也是我们弦乐四重奏之父,他也确定了弦乐四重奏我们现在这种形式,他的主要作用第一个他确立了弦乐四重奏有四个乐章组成,以前的弦乐四重奏有五个乐章、六个乐章的很多,我们听…,它是没有固定的,海顿把它固定下来。然后海顿把奏鸣曲式,这是一种音乐协作的一种结构,他把它引入到四重奏创作,因此使弦乐式创作得到了拓展。另外我们在海顿的作品里可以看到这个时候大提琴不再是扮演配角,大提琴已经和小提琴、中提琴一样作为一个独立的乐器来使用,我们看早期的谱子里面有叫数字第一,他写的数字不是写的谱,它不一定有谁的演奏,只要是音乐乐器它都可以演,这数字1表示是低音的什么和谐的转位,它是这种,永远是配角,而海顿改变了这个,所以我们学大提琴的人都应该感谢海顿,让他们在乐队中有了良好的表现机会。

       进入19世纪中期和末期也就是欧洲的浪漫主义时期,音乐的创作出现了五彩斑斓,优秀的作品大量涌现。比如交响乐、管弦乐,歌剧这种形式得到很好的发展,恰巧这种时候弦乐四重奏创作进入它的低谷,它的创作进入低谷。为什么呢?一方面是以贝多芬为首这一批大师作曲家们使弦乐四重奏结构也好,使它的题材也好已经达到很完美的地步,后人觉得没法超越;另一方面就是我们浪漫主义音乐作品在音乐力度上,音乐的色彩上以及旋律表达上它都更加的具有更强烈的幅度,他们我们这种弦乐四重奏追求一种和谐,一种平稳,追求一种稳定感这么一种形式已经不太适合表现了,所以很多作曲家一大批浪漫主义优秀作曲家他干脆不写弦乐四重奏,回避室内乐,只有少部分像舒伯特、门德尔松、舒曼、柴可夫斯基这样偏古典型的作曲家还写一些弦乐四重奏。这是第三个阶段。

第四个阶段就是进入20世纪,室内乐创作又达到一个高潮,和浪漫主义以前的西方传统音乐相比,20世纪的音乐语言有了非常大的变化,音乐风格也出现多样化,十分多样。西方作曲传统的基本法则一一被打破,是一个变革的时代,现在出现了民族主义乐派,无电性音乐,印象派,表现主义,12种体系,什么新古典主义,序列音乐,统计音乐,电子音乐等等等等。众多的作曲家开始尝试用各种各样新的手法来创作。这些作品他们在音高、节奏、音色、力度、演奏技法以及组织结构法上面都有了前所未有的突破。我曾经听过一些演奏的小提琴,我们知道拉小提琴都用弓矛拉,它的弓嘴用弓矛拉小提琴,有的返过来用后面的,用木头拉,用弓给拉,嗒嗒嗒的声音,这是一种。第二种我们熟悉小提琴的都知道,小提琴拉主要是在前面,它有个桥在前面拉,不会在后面拉,它有的专走后面发出吱吱吱的声音,就追求一种心情。还有有的电子音乐出现以后,有一种叫纯音乐,当然我都没听过,我听过老师说。

什么叫纯音乐?我们音乐中听到的音它都是复合音,它有基音发出以后它还有它的高八度的音乐,再高五度的音,它是个复合的音,它听着很顺,很舒服,但是纯音乐它是指只要它的基音把它的复合音去掉,通过电子说法,出来的音据说像太空上的声音,我们也不知道太空上是什么音,反正是不太让人接受。我见过一个谱子,他们说点化派的,点化派就是绘画派,一种流派,它不是按照线条,它是按照一个色彩的点,点上去的,你走进一看全是一块一块小的色点,要走得很远看看它是什么东西,大概是什么东西,点化派的音乐我看了谱子,一个声就是两三个音,很快就跑到另外一个声,这种东西演奏起来是累的,不是说一分钟,一秒钟,那是零点几秒钟都得注意,演奏起来非常难。

        接下来我想讲一下我们室内乐的通俗化,这是我接着我们今天要讲的主要内容。我们说室内乐从它最初产生仅限于家庭沙龙这么一个范畴,从贵族这些雅士们自娱自乐的音乐形式,之后通过变迁它从贵族的庭院走向了市民,走向了世俗的舞台,经过历代作曲家发掘和完善,特别是随着奏鸣曲式的运用,四个乐章结构的应用,将弦乐四重奏或者将为代表的室内乐发展成为一种表达人类感情最理想,最深刻的,最重要的体态之一。但是随着作曲家表现手法的不断创新,加上作曲家个人音乐取向的过分追求,致使室内乐变成了一种专为那种文化品位或者是爱好音乐的小众听友专门写的这样一些作品,那么室内乐开始变得越来越冷峻,越来越不易亲近,我们更多的听众开始远离室内乐。

        早一点就古典时期的音乐作品而言,比如说到曲式里面说到奏鸣曲式,说到奏鸣曲式很多学音乐希望了解音乐的人都感到望而却步。我简要介绍一下,要知道什么是奏鸣曲式首先我们要了解什么是曲式,曲式就是音乐创作的结构,它的布局。奏鸣曲式是音乐这种创造结构中最复杂也是最完善的一种结构,它大致有三个部分组成:第一个部分叫呈式部,就是把它的主题,把它的音乐,把它旋律呈现给大家,展示给大家;第二个部分叫做展开部,它在呈式部的主题或者动机经过各种音乐手法进行变化,进行延伸,这个部分往往是比较复杂;最后是再现部,再现主要是再现呈式部的主题。呈式部里面至少有两个主题,什么叫主题,就是两个完整旋律段,我们叫做两个旋律,不同性格旋律。第一个主题叫做主部主题,第一个主题要在主调上,比如C大调音乐一定是在C大调上写的,第二主题它要跟第一个主题在性格上要不一样,而且调式上也不一样,第一主题在C调上,你的第二主题就要在G大调上,它一定在属调上它有严格的规定。由于它性格不一样,调式也不一样,第一主题和第二主题它的连接不可能很容易连上去,往往有比较长连接段落音乐段落,这叫什么,这叫连接部,这是呈式部。展开部,就是刚才我们说的把它的主题、内容、或者动机运用各种手法转调也好或者魔镜也好或者其他手法把它进行展开。再现部和呈式部有什么不同呢?再现部第一主题没有什么变化,但第二主题就要求必须回到主调上,就你C大调上写的,刚才在呈式部里面第二主题是在G大调上出现的,到了再现部它必须要在C大调上再现,这是调性回归,这样就相当于我们走出去到一个地方,中间你可以看看这儿看看那儿,最后要往那里走,如果不回到主调上就走偏了。再现部和呈式部它的最大区别就这样。稍微大一点作品前面还会有一个影子,就一个前奏,尾巴上最后还有一个结束部,这样算起来前奏,第一主题,连接部,第二主题,连接部,展开部,连接,然后又到再现第一主题,又连接,又第二主题连接,还有到结束部,这么多了。有时候有些学音乐的人都觉得有点头疼,好了,我们接受这样的作品大家坐不住可以理解了。

        不过,近几十年室内乐出现了新的变化,这种变化主要表现在室内乐演奏的内容通俗化,它的音乐结构简单化。一些作曲家把大量的通俗的管弦乐作品,还有包括以深乐的作品也把它改成室内乐演奏。我国不少作曲家还把中国素材尝试着用室内乐表达,为我们音乐民族化也做了不少的探索。经过他们的努力大量贴近普通听众的室内乐作品开始出现,让更多让进入音乐厅了解室内乐这一独特表演形势。

        接下来我们四川爱乐乐团的演奏家们将为大家演奏一部分这样的曲目,有请我们的弦乐四重奏演奏家们,第一小提琴,第二小提琴,中提琴,大提琴。具体说到怎么样欣赏仙乐,我觉得这个问题也不是很容易的,我想音乐首先是声音的艺术,它通过耳朵来听的,首先好不好听,是不是悦耳是最重要的,是第一步最直观的。那么毫不好听除了乐器好不好,还在于演奏家的技术,他的功力怎么样,可能很多人家里有学琴的孩子,你要带他上课他拉的声音跟老师差距很大,为什么?就是功力,老师到达了这个功力,你没到达,这是一个方面声音好不好听。第二个呢旋律好不好听,音乐好不好听,这是作曲家的问题,作曲家的感受怎么样,他有没有能力把它写出来,能不能把它很好的表达出来,这是第二部分。所以我们音乐除了写得好还要演得好,它是二度创作,音乐演奏是二度创作,音乐作品不像绘画,画家画完以后谁在那里看都是一样的,但音乐作品必须通过演奏家呈现给大家。

        什么是好的声音呢?我们说每件乐器的声音都有它的特点,但是它有一个共同特点就是声音要松驰,要圆润,要饱满,要有光泽。



(成都畅飞速记)